LA VOZ
La voz humana consiste en un sonido emitido por un ser humano usando las cuerdas vocales. Para hablar, cantar, reír, llorar, gritar, etc. La voz humana es específicamente la parte de la producción de sonido humano en la que las cuerdas vocales son la fuente primaria de sonido. Hablando de forma general, la voz se puede dividir en: pulmones, cuerdas vocales y 'articuladores'. Los pulmones deben producir un flujo de aire adecuado para que las cuerdas vocales vibren (el aire es el combustible de la voz). Las cuerdas vocales son los vibradores, unidades neuro musculares que realizan un 'ajuste fino' de tono y timbre. Los articuladores (tracto vocal) consisten en lengua, paladar, cuerdas vocales, labios, etc. Articulan y filtran el sonido.
Las cuerdas vocales, en combinación con los articulares, son capaces de producir grandes rangos de sonidos. El tono de la voz se puede modular para sugerir emociones tales como ira, sorpresa, o felicidad. Los cantantes usan la voz humana como un instrumento para crear música.
El Registro
El registro, es el intervalo entre el sonido más grave y el más agudo que puede emitir una voz, sin importar la calidad tímbrica o expresiva. En este sentido es sinónimo de extensión. El registro se diferencia de la tesitura que es el intervalo entre el sonido más grave y el más agudo utilizables musicalmente.
CLASIFICACIÓN DE LAS VOCES
Con extremos
Tesitura de las voces
En la música, la tesitura de una voz o instrumento, designa el conjunto de notas que un músico es capaz de emitir fácilmente, desde la más grave a la más aguda.
La tesitura y el timbre sirven para clasificar las voces (y los instrumentos), por categorías o familias.
Tesitura comoda
Dentro
del canto debemos tener en cuenta, algunas consideraciones preliminares…
• Rango vocal:
es la extensión desde la nota más grave hasta la más aguda que una voz concreta
puede emitir.
• Tesitura:
rango vocal en el que se canta más cómodamente.
También podemos considerar factores
determinantes del rango vocal en el canto:
•El tipo de canto: en la ópera, los
cantantes deben ser capaces de proyectar la voz por encima de la orquesta sin
la ayuda de micrófonos
•Las distintas formas de producción
de la voz: la voz puede utilizar distintos procesos según se utilicen los
órganos fonadores y resonadores; las distintas formas de producción de la voz
se denominan registros
vocales.
Podemos clasificar los registros en :
•Registro de silbido:
es el que produce sonidos más agudos; el timbre que se obtiene se parece a un
silbido. Es utilizado por algunos tipos de mujeres con voz soprano.
Registro de falsete:
se refiere a los sonidos emitidos por encima del registro modal.
Registro modal:
es el registro más común tanto en el lenguaje hablado como en el canto. El
término "modal" se refiere al "modo resonante" de las
cuerdas vocales (cuando se consigue una vibración máxima de las mismas). Este
registro es mucho más rico en armónicos y matices, en general, que el
resto.
Registro de "voz rota":
es el que puede producir notas más graves. No
debemos confundir estos conceptos, con otras voces como:
Voz de pecho:
en la cual es el
registro grave de las voces femeninas Se produce en el tracto vocal al vibrar
parte del músculo vocalis,
el ligamento vocal y la mucosa de los labios vocales. El efecto de la
voz de pecho es la resonancia pectoral. Sin embargo forzarlo puede ser
peligroso para la voz. En
este tipo de voz las cuerdas vocales vibran al unísono sin cerrarse
Voz de Cabeza: es
aquella voz que es muy aguda y que las mujeres en la opera usan mucho y que
también se oye en los coros de las iglesias. La resonancia de la voz se
amplifica en la cavidad de la cabeza.
En este tipo de voz las cuerdas vocales se ajustan en un 70%.
En este tipo de voz las cuerdas vocales se ajustan en un 70%.
Voz de medio: es la combinación de la voz de
Pecho y de Cabeza, en pocas palabras, subir la voz (esto es cerrando las
cuerdas vocales) mas, sin llegar a la voz de cabeza pero ganando esa fuerza que
la voz de cabeza y manteniendo esa potencia y hermoso tono que la voz de pecho
otorga.
Clasificación de las voces
Las voces femeninas
Se clasifican en soprano, mezzosoprano y contralto, siendo la de soprano la más aguda y la de contralto la más grave.
"SOPRANO"
Es el término musical con el que se
denomina en español a la voz más aguda de entre las que forman el
registro vocal humano o, la voz más aguda de la armonía. En
contextos corales y operísticos, la línea de soprano suele llevar la melodía.
En la antigua polifonía había cuatro voces: cantus (o superius), altus, tenor y bassus. Con el tiempo el “cantus” cambió su denominación y comenzó a llamarse SOPRANUS (del latín soberanus), voz superior, de arriba), llegando asi al término SOPRANO, que en italiano significa superior, soberano.
Esta voz es característica del sexo femenino, de los hombres antes de entrar en la pubertad, y de los castrati.
En la antigua polifonía había cuatro voces: cantus (o superius), altus, tenor y bassus. Con el tiempo el “cantus” cambió su denominación y comenzó a llamarse SOPRANUS (del latín soberanus), voz superior, de arriba), llegando asi al término SOPRANO, que en italiano significa superior, soberano.
Esta voz es característica del sexo femenino, de los hombres antes de entrar en la pubertad, y de los castrati.
Extensión (o rango vocal) y Tesitura
•La
extensión de la SOPRANO va, desde Do4 (o central en piano) hasta Do6
•La Tesitura va desde Mi (o Fa) 3 – Fa (o
Sol) 4
“Frecuencia de la voz Soprano”
En un promedio de registro de voz, la
frecuencia varía entre 247 Hz (Do4) hasta 1046 Hz (Do6).
Aunque con el registro de silbido,
algunas cantantes pueden alcanzar los 2000 Hz.
“Tipos de Soprano”
SOPRANO
LIGERA DE COLORATURA O AGILIDAD: es
una voz de gran alcance en los agudos, ya que los aborda con claridad, nitidez
y agilidad, apta para ejecutar
complicados ornamentos sin dificultad. No suele tener mucha sonoridad en su
registro central, pero si en el agudo. Su rango vocal aproximado está
entre un D4 y un G6. Natalie Dessay, Lucia Popp, Edita Gruberová
Voces de primavera (Frühlingsstimmen) op.410
Voces de primavera (Frühlingsstimmen) op.410
Es un vals de Johann Strauss II. Richard Genée fue el encargado de poner letra al vals.
En el invierno de 1882-83, el compositor fue invitado a componer un vals vocal para la célebre soprano austríaca Bianca Bianchi, que además era un destacado miembro del Teatro de la Ópera de Viena
El vals Voces de Primavera se estrenó el 1 de marzo de 1883 en el Theater an der Wien. Fue en un concierto benéfico para la fundación de los indigentes del imperio austro-húngaro, fundada por el emperador Francisco José y su esposa.
Posteriormente, el vals fue adaptado por el mismo Johann Strauss II para ser interpretado en versión orquestal
La pastorella delle alpi - Rossini.
En el invierno de 1882-83, el compositor fue invitado a componer un vals vocal para la célebre soprano austríaca Bianca Bianchi, que además era un destacado miembro del Teatro de la Ópera de Viena
El vals Voces de Primavera se estrenó el 1 de marzo de 1883 en el Theater an der Wien. Fue en un concierto benéfico para la fundación de los indigentes del imperio austro-húngaro, fundada por el emperador Francisco José y su esposa.
Posteriormente, el vals fue adaptado por el mismo Johann Strauss II para ser interpretado en versión orquestal
Soprano Piano
SOPRANO SOUBRETTE: presenta una voz ligera y ágil, de timbre dulce, con una tesitura de rango medio, normalmente entre el do central (do4) y re alto (re6), y con un peso de voz algo más ligero que el resto de las voces de soprano. Esta ligereza hace que hoy en día prácticamente no encontremos cantantes soubrette puras para cantar los papeles escritos en su día para esta voz, no son adecuadas para cantar en grandes teatros en compañía de orquestas sinfónicas actuales, y suelen ser sustituidas por jóvenes sopranos ligeras o jóvenes mezzosopranos. Registro de Do3 a Do4. Danielle de Niese - Kathleen Battle.
Es un espiritual estadounidense cuya primera grabación data de 1909, por The Fisk Jubilee Singers de la Universidad de Fisk. Actualmente, la canción es el himno de la Selección de rugby de Inglaterra.
SOPRANO LÍRICO – LIGERA: se caracteriza por su mayor amplitud de
las cavidades de resonancia, su mayor carácter y por ser mas expresiva que la
soprano ligera. Tiene menor agilidad en los agudos, pero con una zona mas
amplia en lo grave. Ejemplo de soprano lírica ligera es Diana Damrau, que puede cantar tanto a la Reina de la Noche como a Pamina en La Flauta Mágica (de Wolfgang Amadeus Mozart), Natalie Dessay, Lucia Popp y Eva Mei.
El Danubio azul
o El bello Danubio azul (título original en alemán: An der schönen blauen Donau op. 314, En el bello Danubio azul), es un vals compuesto por Johann Strauss (hijo) en 1866.
Original para Orquesta y solista.
SOPRANO LÍRICA: se caracteriza por un timbre cálido y puro, efusivo, equilibrado en el registro y volumen.Tiene menos extensión en la región aguda y tesituras pequeñas, porque sus cuerdas vocales son mas gruesas, lo que hace que su timbre sea mas oscuro. Registro Si2 a Do5. Anna Netrebko, Anna Moffo, Mirella Freni, Renata Scotto y Renée Fleming.
Casta Diva
Es un aria de la ópera Norma de Vincenzo Bellini en la que su protagonista Norma dirige una plegaria a la Luna.
Antonín Dvořák
Canción a la Luna – Ópera: Rusalka
SOPRANO LÍRICO SPINTO: es un
matiz dentro de la voz de soprano , similar a la soprano lírica, pero
con un mayor cuerpo en su centro y un timbre algo más oscuro, lo que le permite
desarrollar sin gran esfuerzo pasajes dramáticos. Supera además en potencia y
expresión a la soprano lírica, pero posee agudos más limitados. Renata Tebaldi en Madame Butterfly.
"Un bel di vedremo"
"Un bel di vedremo"
from Madama Butterfly (G. Puccini)
SOPRANO DRAMATICA DE COLORATURA:
es
una voz de extraordinarias características, muy rara entre
las sopranos por su amplísima tesitura. Posee unos graves muy
ricos, con mucha sonoridad en el centro como la soprano dramática, pero a
su vez posee gran alcance en los agudos, a los que llega con claridad, nitidez
y agilidad, lo que le permite ejecutar complicados ornamentos sin dificultad en
el registro más agudo de su voz al igual que la soprano ligera. Tesitura de
Do3
a Mib5/Fa5 . Edda Moser, Maria Callas, Rosa Ponselle, Joan Sutherland, Cristina Deutekom, Shady Shade, Yma Sumac.
Electra
"Idomeneo" Mozart
SOPRANO DRAMATICA: poseer
un timbre más oscuro y lleno, pero más grave y con más peso
en la voz, generalmente acompañado de mayor caudal o volumen aunque con menor
flexibilidad en los agudos .Rango vocal, entre el do central (C4) y el re agudo
(D6). Eva Turner, Astrid Varnay, Ingrid Bjoner, Gwyneth Jones, Christel Goltz y Eva Marton.
La Soprano dramática o wagneriana es un matiz dentro de la voz de soprano. Su voz se diferencia de las demás por poseer un timbre más oscuro y lleno, pero más grave, con más peso en la voz, y con mayor potencia o volumen en la emisión, aunque con menor flexibilidad en los agudos, estando su rango vocal aproximadamente entre el do central (C4) y el re sobreagudo (D6).
Su fuerza vocal y expresiva unidas a un timbre oscuro en la la octava (centro) en general, son sus medios más valiosos para servir bien los personajes de carácter noble y rotundo que deben interpretar. Es casi imprescindible que esta voz vaya acompañada de una presencia significativa y de un gesto amplio y digno que secunde y refuerce sus cualidades, que siempre impresionan fuertemente al oyente-espectador, entre otros motivos por su rareza.
La soprano dramática aparece a mitad del siglo XIX en papeles heroicos y en óperas con mayor cantidad de instrumentistas en las orquestas requiriendo mayor volumen para penetrar la barrera sonora entre escena y público. Compositores como Wagner, Verdi (en su período medio y último), Puccini y Richard Strauss crearon las partes más famosas para este tipo de soprano.
Los personajes que le son propios son: “Elektra” y “Salomé” de Strauss, “Lady Macbeth” y “Abigaille” de Verdi, “Brunilda” e “Isolda” de Wagner, “Turandot” de Puccini, etc.
Este repertorio no se suele abordar en plena juventud porque es muy difícil que una soprano reúna las características de “dramática” a los veinte años; estos personajes exigen un esfuerzo vocal que sólo se puede dar en la madurez física y vocal.
Ghena Dimitrova (6 de mayo de 1941 – 11 de junio de 2005) fue una soprano dramática nacida en Bejleb, Bulgaria, cuya voz de inmenso caudal la hicieron favorita de audiencias internacionales en los roles de Turandot de Puccini y Abigail de Nabucco
de Verdi. Debutó en Sofía en 1965 como Abigail y causó sensación en 1975 como Turandot en Treviso.
Johanna Gadski fue una de las grandes sopranos wagnerianas de Alemania.
Fue muy popular en Inglaterra y Estados Unidos, especialmente en el Metropolitan Opera entre 1898-1904 y 1907-17 donde cantó todos los papeles femeninos protagónicos de Wagner con excepción de Kundry de Parsifal.
Cuan dulce y suave
Tristan Isolda - Wagner
María Caniglia, una de las sopranos dramáticas más relevantes del período 1930-50, nació en Nápoles el 5 de mayo de 1905. De importantes medios y fuerte temperamento.
Preferentemente asociada con óperas veristas y de Giuseppe Verdi, estudió con Agustino Roche - maestra de su colega, la mezzo Ebe Stignani - debutando como Crysotemisen Elektra de Richard Strauss en el Teatro Regio de Turín en 1930.
Libera me
La Misa de Réquiem es una composición sacra de Giuseppe Verdi de 1874 para coro, voces solistas y orquesta. Requiem proviene de la primera palabra del texto, que comienza con Requiem aeternam dona eis, Domine, es decir, "Dales el descanso eterno, Señor".Libera me ( "Líbrame") Es unacatólica responsorioque se canta en eloficio de difuntosy en laabsolución de los muertos, un servicio deoraciones por los muertos, dijo junto al ataúd inmediatamente después de lamisa de réquiemy antesdel entierro. El texto deLibera mepide a Dios que tenga piedad de la persona fallecida en elJuicio Final. Además delcanto gregorianoen elRoman Gradual, muchos compositores han escrito configuraciones para el texto, incluyendoTomás Luis de Victoria,Anton Bruckner(dos configuraciones),Giuseppe Verdi , Gabriel Fauré , Maurice Duruflé , Igor Stravinsky , Benjamin Britten , Krzysztof Penderecki , Antonio Salieri .
Il dolce suono
Lucia di Lammermoor
La Soprano dramática o wagneriana es un matiz dentro de la voz de soprano. Su voz se diferencia de las demás por poseer un timbre más oscuro y lleno, pero más grave, con más peso en la voz, y con mayor potencia o volumen en la emisión, aunque con menor flexibilidad en los agudos, estando su rango vocal aproximadamente entre el do central (C4) y el re sobreagudo (D6).
Su fuerza vocal y expresiva unidas a un timbre oscuro en la la octava (centro) en general, son sus medios más valiosos para servir bien los personajes de carácter noble y rotundo que deben interpretar. Es casi imprescindible que esta voz vaya acompañada de una presencia significativa y de un gesto amplio y digno que secunde y refuerce sus cualidades, que siempre impresionan fuertemente al oyente-espectador, entre otros motivos por su rareza.
La soprano dramática aparece a mitad del siglo XIX en papeles heroicos y en óperas con mayor cantidad de instrumentistas en las orquestas requiriendo mayor volumen para penetrar la barrera sonora entre escena y público. Compositores como Wagner, Verdi (en su período medio y último), Puccini y Richard Strauss crearon las partes más famosas para este tipo de soprano.
Los personajes que le son propios son: “Elektra” y “Salomé” de Strauss, “Lady Macbeth” y “Abigaille” de Verdi, “Brunilda” e “Isolda” de Wagner, “Turandot” de Puccini, etc.
Este repertorio no se suele abordar en plena juventud porque es muy difícil que una soprano reúna las características de “dramática” a los veinte años; estos personajes exigen un esfuerzo vocal que sólo se puede dar en la madurez física y vocal.
Ghena Dimitrova (6 de mayo de 1941 – 11 de junio de 2005) fue una soprano dramática nacida en Bejleb, Bulgaria, cuya voz de inmenso caudal la hicieron favorita de audiencias internacionales en los roles de Turandot de Puccini y Abigail de Nabucco
de Verdi. Debutó en Sofía en 1965 como Abigail y causó sensación en 1975 como Turandot en Treviso.
"In questa reggia"
("En este palacio") es un aria de la ópera Turandot de Giacomo Puccini ambientada en un libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni . El texto está basado en la adaptación de Friedrich Schiller de la obra Turandot de Carlo Gozzi. El aria se lleva a cabo en la Escena Segunda del Segundo Acto, y es cantada principalmente por la Princesa Turandot (soprano), pero con una respuesta de Calaf (tenor), que es un punto clave de la ópera.
("En este palacio") es un aria de la ópera Turandot de Giacomo Puccini ambientada en un libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni . El texto está basado en la adaptación de Friedrich Schiller de la obra Turandot de Carlo Gozzi. El aria se lleva a cabo en la Escena Segunda del Segundo Acto, y es cantada principalmente por la Princesa Turandot (soprano), pero con una respuesta de Calaf (tenor), que es un punto clave de la ópera.
Johanna Gadski fue una de las grandes sopranos wagnerianas de Alemania.
Fue muy popular en Inglaterra y Estados Unidos, especialmente en el Metropolitan Opera entre 1898-1904 y 1907-17 donde cantó todos los papeles femeninos protagónicos de Wagner con excepción de Kundry de Parsifal.
Cuan dulce y suave
Tristan Isolda - Wagner
María Caniglia, una de las sopranos dramáticas más relevantes del período 1930-50, nació en Nápoles el 5 de mayo de 1905. De importantes medios y fuerte temperamento.
Preferentemente asociada con óperas veristas y de Giuseppe Verdi, estudió con Agustino Roche - maestra de su colega, la mezzo Ebe Stignani - debutando como Crysotemisen Elektra de Richard Strauss en el Teatro Regio de Turín en 1930.
Libera me
La Misa de Réquiem es una composición sacra de Giuseppe Verdi de 1874 para coro, voces solistas y orquesta. Requiem proviene de la primera palabra del texto, que comienza con Requiem aeternam dona eis, Domine, es decir, "Dales el descanso eterno, Señor".Libera me ( "Líbrame") Es unacatólica responsorioque se canta en eloficio de difuntosy en laabsolución de los muertos, un servicio deoraciones por los muertos, dijo junto al ataúd inmediatamente después de lamisa de réquiemy antesdel entierro. El texto deLibera mepide a Dios que tenga piedad de la persona fallecida en elJuicio Final. Además delcanto gregorianoen elRoman Gradual, muchos compositores han escrito configuraciones para el texto, incluyendoTomás Luis de Victoria,Anton Bruckner(dos configuraciones),Giuseppe Verdi , Gabriel Fauré , Maurice Duruflé , Igor Stravinsky , Benjamin Britten , Krzysztof Penderecki , Antonio Salieri .
SOPRANO FALCON: es
una voz intermedia entre soprano
dramática y mezzosoprano lírica, casi equivalente a
la mezzosoprano ligera. Es una voz dramática de grave poderoso
y agudo potente. Su rango o tesitura va desde un Bb2 hasta un D6. Régine Crespin y la soprano norteamericana Jessye Norman como también sopranos dramáticas que con el tiempo fueron reforzando los graves y acortando sus agudos como Astrid Varnay, Martha Mödl y Leonie Rysanek.
"MEZZOSOPRANO"
Es
la voz femenina intermedia. En el registro grave y medio es una voz más gruesa
y mucho más rica que en el caso de las sopranos. En cuanto a potencia se puede
equiparar a las sopranos spinto
y dramáticas.
La mezzosoprano donde se luce más es en los graves y zonas medias, que es donde
nadie le hace sombra.
Este tipo de voz lo podemos encontrar en casi toda la producción verdiana, y en
las óperas románticas y postrománticas.
Extensión y tesitura: El
registro típico va del La2 al La4, aunque también puede extenderse hasta el
sol2 en la zona grave y el do5 en la zona aguda. Su pasaje suele estar en torno
al Re4.
La frecuencia de Mezzosoprano varía entre
200 y 900 Hz.
Tipos de mezzosopranos
MEZZOSOPRANO LIGERA O DE COLORATURA: es similar a la soprano dramática, pero
con más capacidad para realizar ornamentos virtuosos y agilidades vocales. Se
equipara a la soprano falcón del repertorio francés. Muchas veces el repertorio
de los castrati son ejecutados por mezzosopranos de coloratura en la
actualidad. Registro de
Sol2 a Si4. Cecilia Bartoli: cuenta
con un timbre aterciopelado y una técnica acreditadamente impecable, siendo la
de mayor relevancia aparecida en Italia. Beyoncé: su
voz es aterciopelada y con un gran rango y poder.
MEZZOSOPRANO LIRICA: posee
una voz con los graves reforzados, equiparable a la soprano lírica, con
capacidad para vibrato
rápido y perfectamente controlado y la agilidad en
las escalas y arpegios. Registro de Sol2 a Si4 Janet Baker, Susan Graham, Anne-Sofie von Otter,
Frederica von Stade, Tatiana Troyanos.
O thou that tellest (Messiah) by Handel
Frederica von Stade, Tatiana Troyanos.
O thou that tellest (Messiah) by Handel
MEZZOSOPRANO DRAMATICA: es una voz mas potente que las
anteriores, se acerca a la soprano falcón
y dramática pero con graves mas potentes.
Registro de
Sol2 a Si4. Grace Bumbry, Shirley Verrett, Fiorenza Cossotto, Fedora Barbieri, Christa Ludwig, Giulietta Simionato.
"Seguedille" from Bizet's Carmen
"Seguedille" from Bizet's Carmen
"CONTRALTO"
Contralto: es la más grave entre las voces femeninas. Es una voz potente y profunda a la vez. Es la menos común y se puede confundir con una vos masculina. No se la encuentra en demasiadas composiciones, sea porque hay pocos papeles que requieren esta tesitura o también porque no hay muchas cantantes que posean esa voz. Actualmente muchos de los roles escritos para contraltos los cantan mezzosopranos.Tipos de Contralto (Links Videos)
Tipos de Contralto (Experiencias)
Contralto dramática
La contralto dramática es un tipo muy habitual de esta voz. Debido a su timbre oscuro, en el repertorio de las contraltos abundan papeles dramáticos que requieren gran intensidad de expresión. Un ejemplo son Anna Larsson (como Erda en Sigfrido de Richard Wagner). Suelen cantar en un rango de do3 hasta un do5.
"Deep River" (Spiritual)La contralto dramática es un tipo muy habitual de esta voz. Debido a su timbre oscuro, en el repertorio de las contraltos abundan papeles dramáticos que requieren gran intensidad de expresión. Un ejemplo son Anna Larsson (como Erda en Sigfrido de Richard Wagner). Suelen cantar en un rango de do3 hasta un do5.
"Deep River" es uno de los cinco temas espirituales incluidos en el oratorio Un niño de nuestro tiempo , estrenado en 1944, por el compositor clásico Michael Tippett (1905-98).
Haendel, Rinaldo (Rinaldo) "Cara sposa"
"Erbarme Dich" as "Lord Have Mercy on Me" from the St. Matthew Passion
Contralto cómica o buffa
Contralto cómica o buffa es el nombre que se da a una contralto cuando interpreta un papel cómico. Es una voz de contralto con capacidad para cantar ornamentos, por lo que, si cabe, es aún más difícil de encontrar que la contralto dramática.
Contralto de coloratura
Es una voz casi inexistente, caracterizada por una gran sonoridad y coloratura. La cantante de opera polaca Ewa Podles es un claro ejemplo
"Erbarme Dich" as "Lord Have Mercy on Me" from the St. Matthew Passion
Contralto cómica o buffa
Contralto de coloratura
Ewa Podles es el sonido y experiencia de contralto por excelencia. Con un rango vocal legítimo de 3 octavas e instalaciones floridas capaces de lograr las vocalizaciones más difíciles. El sonido de Podles es un sonido muy oscuro y carnoso con una característica calidad andrógina, pero la técnica de respiración y el legato son excepcionales.
Haendel, Rinaldo (Rinaldo) "Cara sposa"Ewa Podles es el sonido y experiencia de contralto por excelencia. Con un rango vocal legítimo de 3 octavas e instalaciones floridas capaces de lograr las vocalizaciones más difíciles. El sonido de Podles es un sonido muy oscuro y carnoso con una característica calidad andrógina, pero la técnica de respiración y el legato son excepcionales.
Extensión y tesitura: El registro típico va desde el Fa3 hasta el La5, aunque lo mas normal es que sea más estrecho, desde el Sol3 hasta el Fa5.
Extensión y tesitura: El registro típico va desde el Fa3 hasta el La5, aunque lo mas normal es que sea más estrecho, desde el Sol3 hasta el Fa5.
"CONTRATENOR"
Es una voz masculina que se apoya fundamentalmente en una ampliación de la resonancia de cabeza. Una voz de hombre mas aguda que la voz de tenor, situada en el registro de la contralto.
El sonido de la voz de contratenor es el resultado de un trabajo sobre las frecuencias agudas de su registro de cabeza. Es en realidad una voz de falsete y en este sentido sus poseedores podrían y pueden ser denominados falsetistas, sin duda artificiales.
El contratenor es el cantante adulto que canta en el tipo de voz masculino más alto, empleando el falsete, la voz de cabeza y la voz de pecho. La aparición de estos cantantes surge como una alternativa ante la prohibición de la Iglesia Católica para la continuidad de los castrati.
Los contratenores son hombres que conservan las peculiaridades de esta voz de soprano (también con mayor potencia), sin haber sido alterado su desarrollo hormonal, sino, por un peculiar desarrollo de su aparato fonador.
Antonio Vivaldi "Vedro con mio diletto" from Il Giustino
El registro de un contratenor se extiende entre el do4 y el do6 (considerando el do4 como el do central del piano), en ocasiones su tesitura es lo suficientemente aguda como para cantar cómodamente papeles de soprano. La tesitura de los sopranistas está entre fa4 - fa5. La voz natural de cabeza del sopranista es versátil y puede descender hasta eldo#3. Muchos sopranistas pueden alcanzar las notas coloratura de las sopranos femeninas e incluso más.
Su extensión se sitúa, por tanto, por encima de la del tenor (masculina) y coincide con la de la contralto (femenina), pero el timbre de uno y otra son claramente distintos. Es común la mezcla de los registros de voz de pecho y de voz de cabeza. Pueden ser considerados altos o sopranos, también llamados sopranistas.
"TENOR"
El registro (rango de todas las notas que puede cantar con voz potente) de un tenor va desde un do3 hasta un do5.
Existen algunas variaciones de la tesitura según el tipo de tenor:
El tenor ligero puede cantar desde un do3 hasta un re5.
El tenor lírico puede cantar desde un do3 hasta un do5.
El tenor dramático puede cantar desde un do3 hasta un si4.
En general, cuando un compositor escribe una parte para tenor, utiliza un ámbito más estrecho de notas: desde un do3 a un si4.
Su extensión o amplitud vocal suele ir desde el do3 hasta el la4 en canto coral y hasta el do5, el do de pecho en solos. Algunos tenores pueden alcanzar extremos bajos como fa2 o altos como fa5. En las notas agudas, que comparte con el contratenor, la voz del tenor se distingue por su timbre claro y brillante así como por la resonancia pectoral de su voz. Igualmente, en las notas graves, que comparte con el barítono, la voz del tenor se oye ligeramente oscura ya que el barítono tiene un registro grave mucho más rico.
Tenor ligero: El tenor ligero es el que tiene la voz más aguda de los tipos de tenores. pero también es el que la tiene menos potente, sin embargo al ser a su vez la más ágil, es el tipo de tenor ideal para hacer frente a todo tipo de coloraturas y ornamentaciones en el canto. Es una voz frecuente entre los tenores, aunque la calidad es siempre difícil.
Son los tenores adecuados para las óperas de Mozart, Rossini, Donizetti y Bellini.
La tesitura de tenor ligero puede llegar al Re 4, un tono más agudo que el Do de pecho
Dentro de este tipo de tenores vale la pena destacar algunos tipos especiales de voces, En la actualidad el más conocido es Juan Diego Flórez, por sus muy específicas características: Luigi Alva ,Alfredo Kraus entre otros.
Son los tenores adecuados para las óperas de Mozart, Rossini, Donizetti y Bellini.
La tesitura de tenor ligero puede llegar al Re 4, un tono más agudo que el Do de pecho.
Tenor lírico: El tenor lírico es una voz de mayor potencia y firmeza en la proyección de la voz. Se exige un buen dominio del registro medio y belleza en el agudo. La tesitura de tenor lírico ha de llegar al Do 4, o Do de pecho. Es una voz muy apreciada y no infrecuente, aunque solo destacan las voces de extraordinaria belleza tímbrica como las de Jaume Aragall, Francisco Araiza, Ramón Vargas,Marcelo Álvarez, Luciano Pavarotti, y Nicolai Gedda. El papel más emblemático del tenor lírico es el del Rodolfo en la ópera La Boheme de Puccini.
Ramón Vargas en “Parmi veder le lagrime”
Jaume Aragall en el aria “E lucevan le stelle”
Luciano Pavarotti, Domingo " La Boheme de Puccini".
Tenor dramático o tenor wagneriano: De mayor potencia en la octava central y en los graves, y capacidad suficiente en los agudos. Aunque hoy es una voz poco común, fue muy utilizada en el repertorio postromántico y verista, donde se necesitaban voces suficientemente potentes como para ser oídas por encima de la opulencia de la orquesta.Especial mención para el Otello (de Giuseppe Verdi), rol de tenor dramático por antonomasia. Existe constancia discográfica de grandes tenores dramáticos como Colm Wilkinson, Mario del Mónaco, Jon Vickers y Giuseppe Giacomini.En la escena musical actual, este tipo de voz es utilizada en gran medida por vocalistas de bandas de Power Metal y Heavy Metal, siendo algunos cantantes representativos del estilo: Michael Kiske, André Coelho Matos, Timo Antero Kotipelto, Fabio Tordiglione, Tobias Sammet, Bruce Dickinson, entre otros.
Jon Vickers "Dio mi potevi scagliar" Otello
Dentro del registro de tenor, se pueden apreciar diferentes tipos de voces:
Tenor ligero
-Voz clara, aguda y fragil-
Tenor lírico ligero
-voz con más cuerpo de la del ligero y con ciertos matices líricos-
Tenor lírico
Tenor lirico spinto
-el cantante llega al agudo con una exagerada presión subglótica de aire-
Tenor dramático
Tenor heroico
(heldentenor)
(heldentenor)
-voces de corte dramático, pero de enorme resistencia física para sobreponerse durante horas a la orquesta-
Haute-Contre
-la capacidad de cantar en el límite entre el registro de pecho y de cabeza o falsete-
Tenor rossiniano
-dominio técnico para terribles saltos de octava y agudos altísimos que con frecuencia deben atacarse en falsete-
Tenor mozartiano
-elemento más importante es el aborde instrumental de la voz. emisión vocal esbelta, entonación, legato, dicción y fraseo perfecto-
"BARÍTONO"
Se llama barítono al cantante cuya tesitura se encuentra ubicada entre la de
un bajo y el de un tenor. Sus agudos se diferencian de la voz del tenor por
ser más oscuros y sus graves se diferencian de la voz del bajo por
ser más ligeros y brillantes. En ocasiones es considerada la voz masculina
expresiva por excelencia y puede aliar la claridad y flexibilidad a la fuerza y
esplendor. Su tesitura va desde un sol2 hasta un mi4
(teniendo en cuenta que el do central, el cual se encuentra en la
primera línea adicional de abajo en el pentagrama en clave de Sol sería do4
.) Gráficamente lo podríamos ver de la siguiente manera:
Dentro de este registro podemos encontrar diferentes tipos de barítonos:
Barítono
ligero.
El barítono
ligero o cantante es
una voz grave
caracterizada por ser potente en los agudos, y, por comparación, muy débil en los
propios graves. Dentro del
repertorio encontramos:
·
Fígaro en “El
barbero de Sevilla”.
·
Barítono Martin.
El barítono Martin se
caracteriza por ser voz mixta, de barítono por su extensión y de tenor por su color y su levedad. Es decir, se
trata de una voz de barítono que llega hasta el registro de tenor, pero no da
el Do.
La voz barítono Martin debe
su nombre al barítono francés Jean Blaise Martín (1769-1837). Este tipo de voz fue descrita como "tenor de
timbre profundamente oscuro o barítono de timbre muy claro". Aunque
proviene del repertorio francés (de la Operetta), ha acabado siendo acogida por otros repertorios. En
su repertorio encontramos:
·
Pelléas en "Pelléas et Melisande"
(Claudio Debussy)
·
Ramiro en "La hora española" (Maurice Ravel)
·
Orfeo en "L `Orfeo (Claudio Monteverdi)
·
Morales en Carmen (Gerges Bizet)
Barítono Buffo.
Es el nombre que recibe la voz de barítono ligero en papeles cómicos.
Por ejemplo encontramos:
·
El médico
ambulante Dulcamara en L´elisir d´amore (Gaetano Donizetti)
·
Fray
Melitón en La forza del destino (Giuseppe Verdi)
Barítono Verdiano.
Voz potente y expresiva con gran capacidad para mantenerse en la zona
aguda (re-mi-fa-sol). Idónea para la obra de Verdi e incluso de compositores
como Donizetti y Rossini.
·
Germont en “La Traviata” de Giuseppe Verdi.
·
El Conde de
Luna en “El Trovador” de Giuseppe Verdi.
Negro espiritual: "Joshua fit the bath of Jericho"
Robert Hale, bajo-barítono
La voz del barítono dramático tiene una fuerza apreciable y buen
rendimiento en todo registro de barítono, especialmente en la zona grave. Por
ejemplo en su repertorio vemos:
·
Barak en La mujer sin sombra de Richard Strauss
- Escamillo,
de Carmen,
deBizet.
Barítono Bajo.
Es la denominación que corresponde a una voz de un barítono caracterizada
por agudos brillantes pese a un color oscuro (grave). Nace a partir de
exigencias vocales en roles de Richard Wagner aplicándose a un tipo de cantante
wagneriano, debido a la resistencia física y enorme caudal vocal que debe
poseer para cumplir con los requerimientos de la parte. Es un tono más oscuro y
más bajo que el barítono dramático, residiendo en el registro central - donde
se halla la mayoría del papel -su mayor calidad y cualidad sonora. Posee
flexibilidad pero no la cavernosa sonoridad profunda del bajo propiamente dicha
y es una categoría aplicada a un bajo con la habilidad de alcanzar las notas
agudas de un barítono. Es una subcategorización de un cantante con tesitura de
barítono o de bajo capaz de llegar a las notas agudas del barítono y las graves
del bajo asentando la voz entre ambas durante la mayor parte del rol a
interpretar, es decir, ni bajo ni barítono, sino bajo-barítono. Podríamos
mencionar personajes como:
· Falstaff (Verdi)
·
Scarpia (Puccini)
·
Papageno en “La Flauta Mágica”
(Mozart)
·
Don Giovanni
en “El libertino castigado o Don Juan” (Mozart)
Otro
ejemplo de Barítono Bajo es el siguiente:
·
Diego Zamora
interpretando “¿Y cómo es él?”
Como vemos, hay varios tipos de Barítonos, aunque algunos puedan llegar
a ser sub-categorías, como la última que vimos, y otras dependen del repertorio
que interpreten. De todos, los más importantes son el barítono ligero o lírico
y el barítono dramático.
El bajo es el cantante con la voz masculina más grave, con un timbre muy oscuro. En óperaun bajo es un cantante lírico masculino capaz de alcanzar el rango más grave de la voz humana.
EL BAJO
El bajo es el cantante con la voz masculina más grave, con un timbre muy oscuro. En óperaun bajo es un cantante lírico masculino capaz de alcanzar el rango más grave de la voz humana.
La tesitura de bajo va desde un mi2 hasta un do4, y según el Grove Music va desde un fa2 hasta un mi4. Sin embargo, es ampliamente conocido en el mundo operístico que un bajo debe dar como mínimo el fa4, considerándose en ocasiones el fa#4 e incluso el sol4 para los papeles considerados de divo.
En obras corales, en general, cuando un compositor compone una parte para bajo, utiliza un registro más estrecho (más fácil de cantar): desde un sol2 a un si3.
El registro de Bajo
TIPOS DE BAJOS
Bajo profundo
El bajo profundo o bajo noble es un cantante con una voz particularmente profunda (una gran potencia y riqueza en graves), al tiempo, que mantiene los agudos firmes. Algunos ejemplos son: Gottlob Frick (como Sarastro en La flauta mágica de Mozart), Kurt Moll (como el Barón Ochs en El caballero de la rosa de Richard Strauss) y Nicolai Ghiaurov(como Don Basilio en El barbero de Sevilla de Gioacchino Rossini). La ópera Boris Godunov reúne en escena a tres bajos profundos: Boris, Varlaam y Pimen.
Bajo ligero
El bajo ligero o bajo cantante tiene una voz más lírica, quizá con un rango de voz un poco más aguda, de timbre ligero. El bajo cantante tiene agilidad en la voz, para realizar poderosas melodías.Normalmente poseen rangos vocales hasta un C5, dentro el rango de un mezzosoprano. Un ejemplo es el eslovaco Serguéi Kopchák (como Mefistófeles en Mefistófeles de Arrigo Boito); papel de bajo cantante es el de Enrique VIII en Anna Bolena de Donizetti.
LAS VOCES BLANCAS
Los niños: Las voces infantiles tienen las cuerdas vocales más cortas que los adultos, por eso suenan más agudas que un adulto. Tenemos que tener esto en cuenta cuando cantamos con ellos, hay que subir la tonalidad.
No se debe enseñar a los niños técnica vocal hasta la pubertad, es cuando las cuerdas vocales doblan su tamaño. La voz baja una octava, y a partir de esto, se puede usar el registro falsete.
Las niñas: Las voces féminas también cambian, bajan un par de notas solamente. El registro agudo en la mujer lo llamamos registro de cabeza, y el registro bajo, voz de pecho.
La Canción de Corcho
(Arte Infantil Coro de niños EMBA)
NUEVOS Y ANTIGUOS USOS DE LA VOZ
Canto dos notas - una pedal y armónicos
Cantos Multifónicos
La música de los templos tibetanos es particularmente reconocida en Occidente por sus dos formas de canto multifónico, conocidas como jok-kay (tono bajo) ybar-da (tono alto).
EL CORO
En canto, se denomina coro, coral o agrupación
vocal a un conjunto de personas que interpretan una pieza
de música vocal de manera coordinada. Es el medio interpretativo
colectivo de las obras cantadas o que requieren la intervención de la voz.
El coro está compueto por diferentes tipos de voces,
agrupadas en cuerdas. Cada cuerda agrupa las voces en función del registro
o tesitura (intervalo de notas que es capaz de interpretar) de cada
una.
- Soprano:
es la voz más aguda de la mujer o del niño. Su registro oscila entre do4 y la5.
Es la voz que habitualmente soporta la melodía principal.
- Mezzosoprano:
es una voz menos común (generalmente cantan en la fila de contraltos). Su
registro se sitúa entre el de las sopranos y las contraltos.
- Contralto:
es la voz grave de las mujeres (generalmente en esta fila cantan
mezzosopranos debido a que las verdaderas contralto son poquísimas) o
de los niños. Su registro oscila entre fa3 y re5.
- Contratenor o sopranista:
es la segunda voz más aguda de los hombres; llega a registros similares a
los de la mezzosoprano (hasta un re5 e incluso
un la5).
- Tenor:
es la voz más aguda de los hombres; suele oscilar entre si2 y sol4.
- Barítono:
es la voz con registro medio de los hombres; su registro oscila entre el
de los bajos y los tenores, y se sitúa entre sol2 y
mi4.
- Bajo:
es la voz grave y poco común de los hombres; su registro se sitúa
entre mi2 y do4.
Los coros se componen habitualmente de cuatro cuerdas:
sopranos, contraltos, tenores y bajos. Cada cuerda interpreta simultáneamente
una melodía diferente, y es gracias a la formación de diferentes acordes que
se consiguen los efectos deseados por el autor.
Disposición de los coros.
Disposición habitual de un
coro.
La elección de la disposición de los coros viene dada por la
relación del espacio y la acústica del auditorio, también por el
número de integrantes por cada voz.
En general se tiende a la disposición o agrupación por voces
graves y agudas o disposición en escala. Esta disposición es paralela a la
disposición de los instrumentos de la orquesta y permite un rápido
reconocimiento visual por parte del director.
La proporción de las voces dentro del coro viene dada por la
potencia y número de armónicos de las mismas. Los bajos son los más potentes y
armónicos, por tanto será el grupo proporcionalmente más reducido. Una buena
proporción sería, aproximadamente, de un 32-35 % de sopranos, un
25-28 % de contraltos, un 18-22 % tanto de tenores como de bajos,
teniendo siempre más tenores que bajos.
Disposición orquestal de un
coro.
La tipología coral puede clasificarse atendiendo a diversos
criterios:
Por el criterio de instrumentalidad.
- Coro
a cappella: cuando el coro canta sin acompañamiento instrumental.
- Coro
concertante: cuando el coro canta con acompañamiento instrumental.
Por el criterio de timbre y tesitura.
- Coro
de voces iguales: cuando contienen voces de la misma
naturaleza, voces blancas o graves a un mismo tiempo.
- Formaciones
típicas de coros de voces iguales blancas:
- A
dos voces: sopranos y contraltos.
- A
tres voces: sopranos, mezzosopranos y contraltos.
- A
cuatro voces: sopranos primeras, sopranos segundas, mezzosopranos y
contraltos.
- Formaciones
típicas de voces iguales graves:
- A
dos voces: tenores y bajos.
- A
tres voces: tenores, barítonos y bajos.
- A
cuatro voces: tenores primeros, tenores segundos, barítonos y bajos.
- Coro
al unísono: No es extraño encontrar coros que cantan al unísono, sobre
todo en corales menos profesionales o de aficionados, de música popular,
o en muchas parroquias, coros de jóvenes, etc. También los coros que
cantan música en gregoriano cantan, por exigencias de la partitura, al
unísono. Destacan las de muchos monasterios de monjas o monjes, como el
caso del Coro de Monjes del Monasterio de Santo Domingo de Silos; el
Coro de Monjas del Monasterio de Santa María la Real de Las Huelgas (Burgos);
La Capilla Gregorianista Easo (Donostia - San Sebastián).
- Coro
de voces mixtas: cuando contienen voces de diferente naturaleza, voces
blancas y graves a un mismo tiempo. La composición típica de coros de
voces mixtas puede ser:
- A
cuatro voces: sopranos, contraltos, tenores y bajos. Es la formación más
habitual, llamada también por su abreviatura SATB.
- A seis voces: sopranos, mezzosopranos, contraltos, tenores, barítonos y bajos.
Niños Cantores de Viena, quizá la escolanía con mayor fama
en el mundo.
Tipos de coros en función de la composición de sus voces:
- Escolanía:
coro de niños o de voces blancas dividido en sopranos y contraltos. Las
Escolanías están relacionadas con centros religiosos, debido a la
reticencia de las Iglesias cristianas de admitir a las mujeres en los cantos
de la liturgia. Las agrupaciones más famosas de voces blancas son
los Niños Cantores de Viena, el Coro de niños de Tölz, el Coro
de Santo Tomás de Leipzig y el John College Chorus de Londres.
Tradicionalmente en España destacan las Escolanías de diversos templos
catedralicios o monasterios, como la Escolanía de la Basílica de la
Mare de Déu dels Desemparats, en Valencia o la del Monasterio de
Montserrat, el San Lorenzo de El Escorial, La Escolania del Coro
Easo, la Escolanía del Recuerdo, la Santa Cruz del Valle de los
Caídos,los Niños Cantores de Gijón y los Infanticos de la Basilica
del Pilar en Zaragoza,entre otros.
- Coro
de mujeres: coro de voces blancas dividido en sopranos, mezzos y
contraltos.
- Coro
de hombres: coro de voces graves dividido en tenores altos, tenores bajos,
barítonos y bajos.
- Coro
mixto: coro de voces blancas y graves. Es el más completo debido a la
presencia de toda la gama de tesituras y timbres.
Clasificación de los coros atendiendo al tamaño:
- Cuarteto
vocal mixto, formado por cuatro cantantes, uno de cada tesitura, es uno de
los más reconocidos ante el Poeta Wiliam Shakespeare.
- Octeto:
duplicación del cuarteto mixto.
- Coro de cámara: de reducidas dimensiones (entre
diez y veinte cantantes). Aunque habiendo las cuatro tesituras de voces
habituales puede cantar cualquier composición habitual, muchas
composiciones son específicas para un coro de pequeñas dimensiones.
- Coro
mixto, coro sinfónico, Orfeón, masa coral (también
llamado Schola u otras
denominaciones): es la formación más habitual, con diversidad de
integrantes, aunque se considera tal a partir de unos
20 o 25 cantantes, a pesar de haber grandes orfeones con
más de 100 cantantes. La palabra 'orfeón' proviene de Orfeo, dios
griego bajo cuya protección se encontraba el teatro y, especialmente, los
grupos de actores (los coros del teatro clásico).
Historia
Coro, según Luca della robbia:
El coro es un ejercicio colectivo que históricamente nace en
el momento en el que un grupo de personas se ponen a cantar juntas bajo unas
mismas directrices marcadas por ellas mismos o por la personalidad de un
director. El coro fue tomando forma y auge en Grecia, que es donde
nacieron varias de las artes. Coro proviene del griego ronda.
Los coros griegos eran formaciones de hombres, mujeres, mixtos o de hombres y
niños. Cantaban solamente música monódica, normalmente en el teatro. Los
coros eran utilizados para adorar a sus deidades (dioses). También en otras
culturas como la hinduista se utilizaba el canto. Esta era una manera
de adorar a sus dioses. Por medio del canto también se contaban leyendas, como
ser la creación del mundo.
En el antiguo Egipto la música era considerada
como la jerarquía inmediata al faraón y los principales músicos de la
orquesta del palacio real, pero en primer lugar el cantante principal era
considerado con rango de parientes del rey. En casi todas estas civilizaciones
solo se permitía cantar a los hombres, aunque en Mesopotamia se
organizaban coros de mujeres cuando ellas recibían a los hombres que regresaban
victoriosos de la guerra. En Mesopotamia la música estaba íntimamente asociada
con ritos de adoración a los astros y dioses. El dios Ea era el
protector de la música, y se representaba mediante el sonido de un gran tambor.
No solo lo adoraban con intervención de la música, sino que lo relacionaban con
ella directamente, consideraban que algunos dioses eran músicos según muestran
esculturas y relieves.
En el Antiguo Testamento está documentada la
existencia de coros organizados en Israel. Eran coros escolásticos con
acompañamiento instrumental cuyo repertorio se transmitía de generación en
generación. Los coros estaban compuestos únicamente por varones adultos aunque
se permitía añadir niños.
En la antigua China a la música la relacionaban
con el orden del universo y creían que podía afectar la armonía del mundo. A los
sonidos se les atribuía poderes mágicos, que afectaban la vida humana positiva
o negativamente.
El coro surgió en la antigua Grecia como expresión musical y
teatral colectiva, y siguió existiendo en Roma, donde consta su presencia en
actos musicales de circo Flavio, en la época del emperador Claudio.
Ligado en la Edad Media a las funciones litúrgicas, el coro
fue adquiriendo mayor importancia gracias a la polifonía en los dos siglos que
precedieron al renacimiento. En la Edad Media se forman coros en las
iglesias y monasterios para acompañar a la liturgia, normalmente
integrados solo por hombres (monasterios masculinos y catedrales) o solo
mujeres (monasterios femeninos). En la liturgia habitual respondía y cantaba
todo el pueblo conjuntamente (hombres y mujeres). Es también la Edad Media la
que inventa una notación musical que llega hasta nuestros días y que nos
permite construir el repertorio coral.
A principios del siglo X ―en el periodo conocido
como Ars antiqua― aparece la polifonía, que permite el desarrollo de
las agrupaciones vocales. Se canta en principio a dos voces y más tarde a
tres y cuatro voces, aunque no en forma de coro sino de solistas (tríos y
cuartetos).
En los siglos XIV y XV, en el periodo
conocido como Ars nova, los niños pasan a formar parte de los coros,
constituyendo las voces agudas de las obras polifónicas. En el siglo XVI aumenta
el número de integrantes y se nombran las voces según su tesitura (cantus,altus, tenor y bassus).
En los siglos XVII y XVIII, en los periodos
denominados Barroco y Clasicismo, los coros siguen aumentando el
número de integrantes y las voces que designan su tesitura son nombradas con
los términos actuales (soprano, contralto, etc.). Aumenta el número de partes
vocales reales. Es la época de las grandes obras corales de Händel, Bach, Vivaldi, Haydn y Mozart.
En el siglo XIX, durante el romanticismo, se da
una revolución en el mundo coral con la megalomanía de los conjuntos corales
que llegan a agrupar a más de ochocientos integrantes y el fenómeno de socialización,
siendo los coros considerados como medios de solidaridad y formación de
los individuos. El siglo XX continúa con el fenómeno de
socialización..
Concierto participativo Grandes Coros Ópera.
